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人類對音樂的需求，從未被時代瓦解，但聽音樂的方式，卻深受科技進展牽動。從早期的黑膠唱盤、錄音帶，到CD、MP3，再到線上串流智慧歌單，如果說一個人聽歌的方式，能定義他活過的年代，這描述一點都不誇張。無論你堅持浪漫懷舊感，還是擁抱科技向前看，科技與音樂都承載了無數青春回憶。科技，的確改變了我們聽音樂的習慣。
沒有網路的時代，如何找到一首歌？
1995年，上網要用數據機撥接，網路並不普遍，當年臺灣流行音樂市場還在成長，最暢銷的CD可以賣破百萬。以台灣人口2千萬計算，「銷售百萬張」代表每20人就有一人買這張唱片，你高中同班同學差不多有兩個人買，即使你沒有，也不難借來聽聽看。
在那個沒有Google的年代，暢銷金曲大家都聽過，但如果你想找一首冷門歌，可是非常困難。今天我在咖啡店聽到一首好聽的歌，只要拿出手機，打開找歌App比對，馬上可以得到答案，但在20年前，我們非得走到櫃檯問老闆，雖然答案可能來得很慢，但好不容易找到一首歌的心情，很值得珍惜。
一次放學後和同學去麥當勞鬼混，聽到一首不知歌詞是哪國語言，但唱腔特別、旋律又動人的歌，太想知道歌名的我們，雖然害羞也只能在歌曲結束前趕快問。青澀少年鼓起勇氣跑到櫃檯，抓住工讀生姊姊問：「對不起，我覺得這首歌好好聽，請問你們現在放的是哪張CD？」幫客人找歌這種事，當然不在麥當勞打工的範圍裡，但美麗大姊卻願意幫我問，要我稍待再來。十分鐘之後我一邊努力背著旋律（以免沒有答案時還能再問人），一邊走到櫃檯，大姊拿出一張CD，原來是日劇《高校教師》原聲帶，那首歌是森田童子唱的〈我們的失敗〉（ぼくたちの失敗）。
有人活在舞臺上，有人活在舞臺下，更是有人活在舞臺後。這句簡單不過的話，大致捕捉了過去參與演唱會的經驗。 基本上，演唱會的幕後團隊分為音響、燈光、服裝和行政人員。我今天就來為各位介紹音響方面的一些幕後英雄。
「看不見，但聽得到」的音控
大型的演唱會有兩組混音師，一個負責臺上，一個負責臺下。臺下的混音叫FOH（Front Of House）。他們的工作是把所有樂手和歌手的聲音調配混合之後再透過大喇叭傳送到觀眾席。各別樂器的音量大小和頻率都在FOH那端做調整，回音或其他效果也會從那裡添加。因為FOH負責的是所有觀眾所聽到的聲音，他們的工作臺也通常架設在觀眾席的正中間或後面。 另外一組音控師（Monitor Engineer），則躲在舞臺旁邊的布幕後，很難被觀眾發現。他們所負責的是演出者所聽到的聲音。如果你覺得臺上的聲音跟觀眾聽到的一樣，那就大錯特錯了！舞臺越大、樂手距離越遠，就越可能聽不到彼此。而且每個樂手都有不同的要求，例如貝斯可能希望鼓大聲一點好對準節奏，但鼓和貝斯太大聲則會蓋過吉他和主唱，因此臺上的混音師則要為每一位演出者調出各別的mix。如果演出者很多，可是件相當複雜的工作！
在以前的演唱會，樂手會有一組面對著他們的監聽喇叭，但現在則是讓每個人佩戴著小型的耳機。這些監聽耳機是根據個人的耳朵塑造成形，可以像完全杜絕外面的聲音，防治過大音量所造成的傷害。但它們可不便宜，要好幾百美元一組，而且必須量身訂作。紀錄片《This Is It》內，有一段就是Michael Jackson在抱怨他的監聽耳機「像是有人把拳頭塞在我的耳朵裡！」顯然MJ對某些舞臺科技還不是很習慣，但拿下來也不是辦法，因為在那麼大的舞臺上聽不清楚自己時，Pop天王也會很明顯地走音！
「不能沒有你」的螞蟻雄兵威力
內地和香港的演藝圈往往都有不專業的陋習，「大牌」導演、演員、歌星可以一意孤行，不過近年「小劇場」漸漸出現有一種新穎的共同創作模式，創作團隊和臺前幕後先將自己的專長放入創作，不同的概念變成共生，各崗位在集體創作時各展所長。
香港以往的階級觀念很重，政府辦公大樓曾分開「高級公務員洗手間」和「一般公務員洗手間」。時代進步了，家庭工人的稱呼由從前的「妹仔」，改為「工人」，現在叫「家務助理」；運輸由「咕喱」，改為「搬運工人」，現在叫「運輸物流員」；有的貶意是在職業後面加上身分，例如在辦公室的女性會叫「打字妹」、「秘書仔」、「茶水婆」。
在藝文方面，變化也很大，「歌女」變「歌星」、「戲子」變「明星」。寫作的由「揸筆」變成「作家」，我現在給人叫做「KOL」（Key Opinion Leader），什麼時候做了首領呢？最近為一個舞台設計展覽剪綵，他們的「專業」尊稱，從以往的「道具工」、「佈景佬」、「打燈師傅」、「音響控制員」，到今天的「舞台設計家」、「舞台技術工程師」。
舞臺的固有傳統，就是將光芒都給了前臺演員，演出後除了監製及導演有機會上臺謝幕，編劇跟觀眾連揮手的機會都不多，更遑論一大群佈景、音響、燈光、服裝、化裝、跳舞導師等等的「後臺工作人員」：台前是牡丹，幕後只是綠葉；他們是「主」，我們是「副」；他們「領銜」，我們「輔助」。曾經有一位燈光設計師告訴我一個故事：他和導演爭論燈光的問題，導演心煩氣燥突然說：「喂，重點不是燈光，是演員，誰在乎你的燈光好不好，不要浪費時間！」
內地和香港的演藝圈往往都有不專業的陋習，大牌導演、演員、歌星可以一意孤行。先進國家的監製、導演要接受「民主共商」（co-developing）的洗禮，在劇場創作概念的初段便要把所有劇場「元素」，包括編劇、演員、音樂、舞蹈、道具、燈光、音效、服裝等工作人員，在籌備階段一起開會，務求大家達到「目標一致、概念統一、互動暢順」的三大共識；在歐洲的大型表演藝術項目，以上的運作模式已在超過二十年，而在內地或香港反應卻是「我們中國人隨心隨意，不來西方這嚴格一套！」、「那麼前期需要投入大量人力、時間和資源，我們的錢不夠！」、「各有各做，不是很好嗎？為何突然要我照顧這麼多人的想法？」。舞臺藝術人葉卓棠寫過一篇文章，我很欣賞，以我的理解，他指出後臺工作者有五種心態。
網路百科對馬戲的定義，不外乎魔術、雜技和搞笑橋段，但「方式馬戲」導演方意如有自己的解釋，她曾被歐洲馬戲觸動落淚，繼而嘗試不同編導方式，透過馬戲探討深刻含義。
「方式馬戲」創團於2015年。在這次上演的「距離」一作中，表演者利用15公斤的鐵製大環、呼拉圈兩種雜技道具和太極武術，探討親人、朋友之間因科技或世代差異而產生的距離感。
方意如選擇以鐵環、呼拉圈的「圓」來闡述距離，她接受中央社記者訪問時解釋，說到圓，人們容易想到圍爐、緣分之類的詞，都是把彼此圈在一起、繞在一起，她一邊製作這齣作品，一邊也提醒自己，不要因為科技或世代不同就拆解了這個人際關係的圓。
馬戲給人的既定印象經常是以娛樂為主的雜技、魔術居多，但對方意如來說，馬戲是更深沈、更有故事的東西，她不只一次被馬戲觸動內心，直至流淚。
多年前，她在亞維儂看過一名表演者，從一顆球玩到7顆球，光這樣就玩了50分鐘，已經足以顛覆她對馬戲的想法，回到家查看這名表演者的網站，首頁畫面是一根馬戲常用的棒子，有陽光灑在上面，「太美了，我覺得那超像是在拍情人的手，我沒有想過，他是這樣看待他的道具。」
在電視戲劇、廣告中有一個非常重要的環節，平常沒什麼人「特別關注」，但它絕對是影視產業製程中不可或缺的重要元素。
你是不是曾想過韓劇裡「千頌伊」、「都敏俊」那性感、帥氣的聲音是誰配的？很多人都想知道這些飄洋過海的熱門影劇、卡通，或是廣告配音，裡頭的大咖主角中文配音是哪一位配音員錄製？但這鮮少人注目，卻永遠不會消失的產業－「配音產業」在日本如此受到重視，在台灣卻乏人問津，究竟要如何成為一名專業的配音員？配音員只要開口說幾句話，錢就噹啷入袋了嗎？
配音圈的專業分工
以臺灣現在配音的環境來說，配音員分成兩大群：「廣告、有聲書等類」跟「戲劇類」，專業分得非常細，所以配音員不只要聲音好聽，光是不同類型的配音案，要下得工夫就完全不一樣。
廣告配音員跟戲劇配音員幾乎不會重疊，而廣告配音員要踏入戲劇配音圈比戲劇踏入廣告配音還更少見。其中有幾個原因，戲劇配音工作時間長外，還要研究揣摩配音角色的情緒、個性等特色，這需要花時間培養、琢磨，不是一朝一夕就能上手的。但廣告比較重個人特色，工作時間也比較短，就像是接單制，有案就有錢賺，一切都是要看個人表現跟聲音特色。
不要去創造森林的幻覺，而應當去創造處於森林氣氛中人的幻覺。
舞美設計，不是提供布景的框架式背景，而是建立起一個空間，讓人物在其中經歷一些事情。布景也要有藝木的價值，而且要有個性特色；布景應該在演員排戲過程中產生，因此在效果上它應該是演員的一個夥伴。
觀眾對主要角色扮演者的注意力占全部扮演者注意力的40%，觀眾對演出造型部分的注意力則是100%，因為所有圍繞演員的環境在整個演出中都被觀眾感受著。中國戲曲是一種綜合性的藝術，它包含著劇本、音樂、化妝、服裝、道具、布景等因素，這些都要通過演員的表演，才能成為一出完整的好戲。這裡面究竟哪一門是最重要呢?
「布景」經過一再改進，近年來搞得很好，看上去又簡練又美觀，今天的布景已經在戲裡起了很好的作用，評價很高。導演要能「看見」未來的演出並不是那麼輕而易舉的事，離開了舞臺美術家，要想做到這一點簡直是不可能的。一齣戲演出的成功與失敗，舞臺美術幾乎是起著一半的決定性作用的。
歸根結蒂，舞臺布景的設計不同於建築師、畫家、雕塑家、音樂家的工作，這是詩人的工作。只有轉變為詩人的畫家（或建築師、雕塑家），才能夠理解劇作家在其劇本中通過文字表現出來的指定形式，並進而把這種形式變成人們能夠看見的形式。
那一天的情況是這樣的，開演在即，觀眾們已經陸續進場落坐了，工作人員卻在這個時候發現，舞臺上杵著一根不該出現的手電筒，光源往下罩著，直直的立在那裡。幾個人在對講機裡嘁嘁討論該怎麼處理好，徵得了舞監的同意，肇事者挺身出場，去把那只誤登了臺的手電筒搶救下來，經驗老到者有云：這種時候就是要大大方方的走出去解決，畏畏縮縮的更惹觀眾注意。
這一切都是為了「馬克」。那天用的是夜光膠帶，這種膠帶可以在暗處發亮，前提是得先讓它吸飽了光，正因如此，才會在臨開演時把手電筒罩在那裡（餵光），希望可以讓演員或換景的工作人員看得更清楚，只是這愛心忘了收拾。
在劇場裡，大概沒有什麼東西比馬克更加矛盾了，工作人員和表演者們撐大了眼睛想要找到它；另一方面，又盡可能的不想落入觀眾的眼裡。馬克（mark）是臺灣慣用的稱法，大陸管它叫「舞台上用做記號的膠帶紙」，通用世界的說法則是spike tape或marking tape。
夜光膠帶一卷得花上好幾百塊，對於不太寬裕的劇團而言是頗昂貴的東西，通常是到正式開演前才捨得換上，而且演後還要回收再利用。彩排期間或是換場時不太暗的場景，用的則是日常生活中常見的電工膠帶，一卷10到15元搞定。碰上地毯的時候，則使用材質相合的布紋膠帶。
電工和布紋膠帶都有很多繽紛的顏色可供選擇，方便做色彩管理，諸如在不同的場次使用不同的顏色做定位。顏色較為單一的夜光膠帶，通常是發出如夜明珠般的黃綠光，就依賴工作人員的巧手，裁拼成各種不同的形狀，碰上場景結構複雜的演出，除了常用的方格、長條、十字、三角之外，連A、B、C、D、E等一干字母也照樣貼得出來。而無論用的是哪種材質的馬克，定位完成後通常都會在上面加貼一層霧面的透明膠帶，加強防護、避免脫落。
誰說音樂只能用「聽」的，為了造福聽障人士、讓聽障人士也享有聽音樂的權利，最近有一個重金屬樂團，在現場演出時，就請來三位手語翻譯老師站在舞臺邊，為聽障人士翻譯重金屬樂！
美國重金屬樂團Lamb of God近期在德州演出，由於事前得知有一批聽障人士歌迷將來到現場感受重金屬氣氛，於是樂團特別請了手語翻譯站在舞臺前方，為聽障人士翻譯，其中一位女翻譯是Lindsay Rothschild-Cross。
雖然Lindsay穿著一身暗色衣服想保持低調，但她精彩到位的手語翻譯吸引現場萬名歌迷的目光，只見她不僅模仿彈吉他、打鼓的動作，也發出嘶吼聲，表情更是不顧形象地相當猙獰，一切只為了讓聽障人士感受到最真實的重金屬樂。
事後，Lindsay接受訪問表示，她本身是一位高中教師，從學生時期開始，她就結交很多聽障朋友，於是決定苦學手語翻譯，後來她也對重金屬樂很有興趣。雖然Lindsay過往曾擔任4場音樂會的翻譯，但她說，「這是我第一次詮釋重金屬樂，其實我也很緊張，但我希望讓大眾知道，聽障人士能獨立思考、有信仰、有喜歡的事物，除了聽覺以外，他們和一般人沒有差別。」
為了順利翻譯這次的重金屬演唱會，Lindsay還先做苦工、花時間了解每一首歌的歌詞意境和歌手想呈現給聽眾的power！
日前 Alphago 漂亮的打敗韓國棋士李世乭，引發了大家對於人工智慧的討論。不過對於喜歡音樂的人來講，類似的系統其實已經使用在各大串流音樂上，像是 Spotify 、Apple Music 、Youtube 等平台上，雖然他們還是很客氣地詢問你 「你可能對這些有興趣」。但是不能否認的是，越來越多人開始使用類似的功能，取代掉原本聽廣播、或者是參考樂評去探索新的音樂。
以現況來講，Apple Music 有 Beats 1 Radio ，Spotify 上有每周推薦清單，這些都是以使用者撥放習慣自動演算出來的歌單，就像是你在音樂上的導師或好朋友一樣，每周會推薦你將近兩個小時的好音樂。 Spotify 表示這種每周推薦清單雖2015 年 10 月才上線，不到一年就創造了將近 10 億的點擊率，這代表著人類被機器說服了 10 億次。
一開始自動撥放清單這個點子的確被多 DJ 嘲笑，認為機器怎麼可能瞭解音樂，不過後來這些 DJ 開始畏懼，因為自動撥放清單確實推薦了許多音樂進入使用者的耳朵裡。知名 DJ 及製作人 MICK 就表示他對於自動撥放清單的成績感到訝異，因為沒想到人們真的會造著機器所演算出來的結果走。這表示未來流行音樂會變得越來越雷同並且無聊。
目前真人 DJ 與人工智慧最大的不同在於人類還是有自己的喜好，而且會有許多出乎意料的歌單。雖然因為其方便性讓自動撥放清單看起來似乎廣受人喜愛，但是 Mick 相信人類對於音樂的喜好是瞬息萬變的，「我理解它的重要性，而且它也會是未來發展及演進的重點，某方面來講，我欣賞他的方便性。不過如果真的要告訴你哪邊好，不是說一定要有東西消逝了才能讓另一個類型出頭，就像是以前大家都說黑膠已死，真的這樣嗎? 」
全文出處: ROXY ROCKER ( https://goo.gl/rAu7SR )
舞臺是一種綜合性場合藝術。一場舞臺演出，涉及到人與物關係的方方面面，演員、表演、道具、機械等，這是傳統舞台的基礎。但隨著多媒體時代的來臨，數字化科技逐漸走上舞台，引起了獨特的化學反應。
數字化科技的仿真能力與創造力，在虛擬的空間裡，創造出極其逼真的演出環境。相比傳統舞美布景，它的植入讓演出更加多元化、更具臨場感、互動性。舞臺美術的數字化、多媒體化，為舞臺帶來了藝術與技術新的契合點。
只有想不到沒有不能顛覆的傳統
與電影相比，舞臺演出最大的魅力，是觀眾的參與和現場的互動體驗。舞臺表演，在人的眼前發生，直接、臨場，增加人的直觀感受。
改編成多媒體舞臺劇的《金剛》，當身高12米的巨型金剛道具走上舞臺，當嬌小的女主角依偎在金剛身邊，音樂響起燈光亮起，吊起威亞的金剛在舞臺上奔馳、嘶吼，這好萊塢大片既視感的場景就在觀眾眼前發生，人們近距離觀看演員表情，感受情感傳遞，這是電影無法比擬的地方。
首先，導演要與不同的設計者及工作者緊密合作，包括舞臺美術設計與舞臺美術制景、燈光設計與燈光控制、服裝設計與服裝管理、道具設計與道具管理、音響設計與音響操控、造型設計與化妝師等。
晚會是綜合藝術，要各部門共同創作、通力協作，才能達到理想的藝術效果。
舞臺種類，舞臺背景，導演意圖都會影響設計者的思路，最後的呈現要由各個不同的藝術設計，在遵循導演構思的前提下，達到完美統一，晚會是團隊的藝術，從來也沒有過一個人做成了一臺晚會。
因此，導演必須要同舞美、燈光、音響、編舞、作曲、服裝等藝術創作設計人員在事先做出合理的、完整的節目討論及在排練時做不斷的修正，遇到問題立即溝通、協調並設法解決，導演的理念才會呈現的愈趨完美。所以，重視團隊，重視合作，是一臺晚會成功的首要條件，也是完成藝術工作的重要因素。
導演在演出前的各部門協調會中，必須明確劃分責任權利，避免出現工作遺漏。要告知演員，必須對幕後工作有所了解，對幕後工作人員有充分的尊重。並需要對各藝術工種的工作有基本的了解，若有不清楚的地方，在各部門協調會中必須當場溝通清楚。
